Creatore: Paul Feig

Interpreti: Sidney Sweeney, Amanda Seyfred 

Paul Feig, dopo una serie di commedie piuttosto dimenticabili, continua a ottenere nuove opportunità dietro la macchina da presa, e confesso che ogni volta mi chiedo come ci riesca. Stavolta, però, abbandona la commedia per cimentarsi con il thriller più classico: una famiglia apparentemente perfetta che nasconde oscuri segreti e un personaggio che, fin dalla prima scena, lascia intuire che porterà inevitabilmente scompiglio.

The Housemaid può contare su un ottimo cast e le due protagoniste, Amanda Seyfried e Sydney Sweeney, danno vita a una sorta di sfida interpretativa. Per quanto mi riguarda, la vittoria va di misura alla Seyfried, favorita anche da un personaggio più sfaccettato e interessante rispetto a quello affidato alla Sweeney.

La regia è pulita e, per circa tre quarti della durata, il film scorre piacevolmente come un thriller dalle venature erotiche. Senza fare spoiler, è abbastanza evidente già dopo pochi minuti quale direzione prenderà la storia, che procede in modo piuttosto lineare. Poi arriva finalmente il colpo di scena: una trovata ben costruita, sorprendente e capace di rivalutare quanto visto fino a quel momento. Insomma, sulla carta il soggetto funziona.

Peccato che tutto venga progressivamente vanificato dalla ricerca continua dell'azione a ogni costo. Il film finisce così per giustificare comportamenti e reazioni poco credibili, sacrificando la coerenza narrativa. Paradossalmente, proprio dopo il colpo di scena, che rappresenta il momento migliore dell'opera, The Housemaid perde mordente e si avvia lentamente verso una conclusione piuttosto mediocre.

Creatore: Sam Raimi

Interpreti: Rachel McAdams

Sam Raimi torna all’horror con Send Help, un survival thriller venato di dark comedy che segue Linda Liddle, un’impiegata brillante ma costantemente sottovalutata dal suo arrogante capo Bradley Preston. Durante un viaggio di lavoro in Thailandia, l’aereo su cui viaggiano precipita nel mezzo dell’oceano e i due si ritrovano unici sopravvissuti su un’isola deserta.

Ma quanto sono belli i film di Sam Raimi? Anche le sue opere meno riuscite riescono sempre ad avere una personalità, una qualità e un’intensità superiori alla media. E Send Help non fa eccezione.

La pellicola sembra inizialmente impostarsi come una classica commedia romantica: due persone opposte costrette a convivere, i contrasti, il flirt inevitabile e magari la passione che nasce nel mezzo della sopravvivenza. Ma Raimi ribalta subito le aspettative, trasformando tutto in qualcosa di molto più cinico e disturbante.

Fin da subito il film non cerca mai di farci empatizzare davvero con i protagonisti. Lui è un bastardo fino al midollo, il classico uomo in carriera disposto a schiacciare chiunque pur di sopravvivere; lei invece appare inizialmente fragile e indifesa, salvo rivelare lentamente una personalità manipolatrice e ossessionata dal controllo.

Send Help viaggia costantemente in equilibrio tra thriller psicologico, horror e splatter, mantenendo alta la tensione scena dopo scena. Il rapporto tossico tra i due protagonisti diventa il vero cuore della pellicola, fino a un finale inaspettato e tesissimo che riesce davvero a tenere con il fiato sospeso.

Il tutto è impreziosito dalla classica ironia nera di Raimi, che alleggerisce i momenti più violenti senza mai spezzare il ritmo. Un piccolo gioiellino che forse non raggiunge i vertici assoluti della filmografia del regista, ma che si farà ricordare come una delle sue opere più riuscite degli ultimi anni.

Creatore: Emerald Fennell

Interpreti: Margot Robbie e Jacob Elordi

Avete presente quando guardate un film inutile? Di quelli che, appena finiti, sapete già che dimenticherete nel giro di pochi giorni? Ecco, Cime Tempestose di Emerald Fennell riassume perfettamente questa sensazione.

Il film reinterpreta in chiave moderna e sensuale uno dei racconti d’amore più tormentati della letteratura. Ambientato nelle cupe brughiere dello Yorkshire, segue il legame ossessivo e distruttivo tra Heathcliff e Catherine, due anime incapaci di vivere insieme ma anche di separarsi davvero. Tra passioni travolgenti, vendetta e autodistruzione, la pellicola punta tutto sull’intensità emotiva e fisica del rapporto tra i protagonisti.

Il problema, però, non è tanto l’aver preso soltanto una parte del romanzo — l’amore impossibile — ampliandola con elementi più espliciti come sessualità, gravidanza e dinamiche sentimentali moderne. Il vero problema è che tutto questo coinvolge solo fino a un certo punto. Dopo l’ennesima scena carica di tensione erotica, allo spettatore viene spontaneo chiedersi: “Va bene, ho capito la passione ossessiva e travolgente… ma poi?”

E la risposta, purtroppo, è: poco altro. Si resta per gran parte del film in attesa che succeda qualcosa di davvero significativo, oltre agli amplessi continui e a un romanticismo volutamente esasperato, ma la storia sembra girare sempre attorno agli stessi concetti senza mai evolversi davvero.

Anche la scelta del cast lascia qualche dubbio. Margot Robbie è intensa e credibile, ma la differenza d’età con Jacob Elordi risulta piuttosto evidente. Non perché lei appaia fuori parte, ma perché lui, in molte scene, sembra troppo giovane per incarnare la durezza e il carisma oscuro di Heathcliff. Più che un uomo tormentato e feroce, appare spesso come un ragazzo ferito e spaesato. Inoltre, la scelta di renderlo una sorta di “cattivo dal cuore buono” tradisce parte dell’essenza del personaggio originale, che nel romanzo era molto più crudele e spietato.

Quindi vale la pena vedere Cime Tempestose, anche considerando il clamore — forse più costruito che reale — che lo ha accompagnato all’uscita? Per quanto mi riguarda, no. Esistono film capaci di raccontare passione, sessualità e tragedia in maniera molto più intensa, profonda e memorabile.

Sviluppatori: Bloober Team

Faccio una premessa: questa recensione non sarà molto oggettiva. Del resto nessuna recensione lo è davvero, ma questa forse un po’ meno delle altre, perché sono sempre stato un enorme fan della saga e continuo a considerare Silent Hill 2 uno dei videogiochi più importanti mai usciti.

Creatori: Taylor Sheridan

La serie racconta la storia della famiglia Clyburn, che si trasferisce da New York City alla valle del Madison River, nel Montana centrale, in cerca di serenità dopo una tragedia che ha stravolto le loro vite.

All’inizio doveva essere l’ennesimo spin-off di Yellowstone, poi per fortuna ha preso una strada tutta sua, diventando qualcosa di completamente diverso.

Iniziamo subito col dire che, insieme a From, The Madison è probabilmente la miglior produzione targata Paramount+ degli ultimi anni. È un flusso continuo di emozioni che ruotano attorno al lutto vissuto da una famiglia di ricchi newyorchesi che però, sotto la superficie, assomiglia a qualsiasi altra famiglia: pochi pregi, tanti difetti e ferite difficili da rimarginare.

Ma la vera forza della serie è un’altra: ti mette spalle al muro. Ti costringe, quasi controvoglia, a fare i conti con riflessioni personali che forse avevi smesso di affrontare, soprattutto davanti a una serie TV.

Tecnicamente è quasi impeccabile. La fotografia è meravigliosa e riesce a farti innamorare dei paesaggi e della natura del Montana al punto da ritrovarti a cercare un volo per gli Stati Uniti senza nemmeno accorgertene. Anche il montaggio, volutamente lento e contemplativo, funziona perfettamente: non corre mai, ma ti trascina dentro al racconto un passo alla volta.

Il cast è straordinario. Michelle Pfeiffer offre probabilmente una delle migliori interpretazioni della sua carriera recente, intensa e dolorosa senza mai risultare artificiale. E poi c’è Kurt Russell, che da solo riesce sempre ad aggiungere quel carisma ruvido e irresistibile a qualsiasi progetto.

Peccato soltanto per l’ultima puntata che, paradossalmente, è la peggiore delle sei. Per tutta la stagione viene costruita un’impalcatura fatta di urla, risentimenti, mancanze ed emozioni trattenute, salvo poi sciogliersi in un finale che perde forza proprio sul più bello, senza veri sussulti. Ed è un peccato, perché fino a quel momento la serie sfiora davvero l’eccellenza.

Nel frattempo, nonostante la storia funzioni anche come racconto autoconclusivo, la serie è stata rinnovata per una terza stagione.

Cercavate un motivo per abbonarvi a Paramount+? Eccolo trovato.

Creatori: Zach Lipovsky e Adam Stein

Un gruppo di giovani sopravvive miracolosamente a una tragedia apparentemente inevitabile grazie a una premonizione. Ma la Morte, come sempre, non accetta di essere ingannata: uno dopo l’altro, i sopravvissuti iniziano a morire in modi sempre più inquietanti e imprevedibili. Questa volta, però, il filo conduttore affonda le radici nel passato: una misteriosa connessione familiare lega le vittime a un evento accaduto anni prima, suggerendo che il destino non colpisce a caso… ma segue una linea di sangue precisa.

Con Final Destination: Bloodlines siamo ormai al sesto capitolo della saga, e la pellicola resta fedele ai binari classici della serie: lo spettatore sa già cosa aspettarsi e, in fondo, è proprio quello che vuole. L’attesa non è tanto per la storia quanto per il “come”: morti sempre più elaborate, fantasiose e costruite come piccoli meccanismi a orologeria pronti a scattare.

Se da un lato questa formula continua a funzionare grazie a un’inventiva visiva ancora efficace, dall’altro è inevitabile avvertire una certa ripetitività di fondo. Il tentativo di inserire un legame con il passato e con una linea familiare aggiunge un minimo di variazione, ma non basta a rivoluzionare davvero la struttura narrativa.

Se vi sono piaciuti gli altri capitoli, questo è senza dubbio uno dei più riusciti degli ultimi anni; se invece avete già intuito il gioco e vi ha stancato, difficilmente cambierete idea: la Morte, anche stavolta, segue lo stesso copione.

Creatori: Aaron Horvath e Michael Jelenic

La storia riprende circa venticinque minuti dopo la fine del primo capitolo. Mario e Luigi si trovano ad affrontare una nuova e pericolosa minaccia: Bowser Jr., il figlio dell’ormai miniaturizzato Bowser, si allea con Wario per liberare il padre e vendicarsi degli idraulici.

Super Mario Galaxy riprende tutto ciò che aveva fatto di buono nel primo capitolo e lo espande, portandoci in una galassia piena di pianeti diversi e facendoci conoscere altri personaggi amati della serie videoludica, come Yoshi. La pellicola è un vero paradiso di colori e alcune scene, soprattutto nel finale, riescono a trasmettere bene il senso dell’azione, facendo divertire spettatori piccoli e grandi.

Purtroppo, però, la trama non va di pari passo. Anzi, si può dire che quasi non esista: il film è soprattutto una successione di rocambolesche scene d’azione, citazioni ai giochi della saga e richiami al cinema degli anni Novanta. E rispetto al primo film viene inevitabilmente meno anche l’effetto sorpresa.

Super Mario Galaxy è un film che va visto nel suo splendore visivo, possibilmente in una sala IMAX o, in alternativa, quando arriverà sulle piattaforme in 4K. Ma resta, usando una terminologia videoludica, una pellicola con una grafica pazzesca… ma con poca giocabilità.

Creatore: Lee Cronin

La giovane figlia di un giornalista scompare misteriosamente nel deserto egiziano. La famiglia, distrutta dal dolore, prova a ricostruire la propria vita, ma otto anni dopo la ragazza riappare improvvisamente. Quello che dovrebbe essere un ricongiungimento felice si trasforma presto in un incubo: la bambina non è più la stessa e sembra portare con sé un’antica e oscura maledizione legata a una mummia e a forze sovrannaturali.

Dimenticatevi i film avventurosi di qualche anno fa: La Mummia di Lee Cronin è un horror a tutti gli effetti.

Il regista firma una pellicola fortemente autoriale che segue il filo rosso già intrapreso con La Casa - Il Risveglio, e nel finale, a tratti, sembra davvero di essere tornati dentro una pellicola della saga di La Casa, pescando a piene mani dall’immaginario folle e dissacrante di Sam Raimi.

La Mummia, per un genitore, è un vero colpo allo stomaco: una figlia scomparsa che riappare in quelle condizioni otto anni dopo è un’immagine difficile da sostenere emotivamente. Spesso è più l’angoscia della paura a dominare la scena, una sensazione che probabilmente colpirà in modo particolare chi si accinge alla visione con una sensibilità genitoriale.

La pellicola, pur seguendo una struttura piuttosto classica — con tanto di inevitabile spiegone del professore universitario che traduce in pochi secondi una misteriosa pergamena in pelle umana — trova nella regia e nel comparto sonoro i suoi veri punti di forza. La telecamera non rimane mai ferma ed entra ed esce continuamente dalle stanze della casa, ricordando soluzioni già viste in Presence. Le inquadrature sono studiate nei minimi dettagli per trasmettere allo spettatore un costante senso di disagio, amplificato da un sonoro fatto di scricchiolii e sospiri raggelanti.

La Mummia è anche un film dichiaratamente splatter: erano anni che l’horror non affrontava questo registro con una tale intensità, e in alcune sequenze lo spettatore potrebbe trovarsi davvero disgustato da ciò che vede sullo schermo.

Insomma, è un film perfetto? No, non lo è. Gli attori, per buona parte della durata, si limitano a sfoggiare espressioni incredule e terrorizzate senza mai prendere decisioni davvero sensate. Va bene la sospensione dell’incredulità — elemento fondamentale nel genere horror — ma qui si raggiungono livelli piuttosto estremi: la polizia sembra non esistere, il sistema sanitario sparisce e accadono eventi terribili che, dopo pochi minuti, vengono archiviati con troppa facilità.

La Mummia resta comunque un buon film horror, capace di regalare emozioni forti e momenti di autentica tensione. Non sarà un capolavoro, ma in un panorama spesso povero di idee, ben vengano film così.