Creatore: Andrew Stanton

Bonnie è ormai cresciuta e i suoi giocattoli devono affrontare un nuovo nemico: la tecnologia. L'arrivo di Lilypad, un tablet interattivo a forma di rana, cattura infatti l'attenzione della bambina, mettendo in crisi Jessie, Buzz e gli altri. Per i giocattoli inizia così una nuova avventura per riconquistare Bonnie e riportarla al mondo della fantasia e del gioco.

Visto qualche mese fa al cinema, se non avessi riletto la trama non me lo sarei ricordato e questo, almeno per me, dice già molto sull'impatto che ha avuto il film Pixar. Eppure sulla carta gli spunti non mancano: la tecnologia che prende il posto dei giocattoli, l'isolamento dei bambini, la difficoltà di fare amicizia e il rapporto sempre più complicato tra fantasia e schermi. Temi attuali, che il film affronta senza demonizzare del tutto la tecnologia e cercando una sorta di equilibrio tra vecchio e nuovo.

Il problema è che, ancora una volta, Pixar sembra arrivare fuori tempo massimo. Ormai anche lei pare aver perso un po' di colpi, proprio come Disney: dopo l'acquisizione, del resto, è diventato difficile non vedere le due realtà come un'unica grande macchina. Si continua a ripescare, cambiando soltanto la confezione, e anche qui ritroviamo l'on the road, il nuovo personaggio che sembra cattivo ma non lo è e il solito percorso verso una convivenza pacifica tra due mondi apparentemente opposti. Due parole: che palle!

La cosa più curiosa è che il film sembra quasi parlare anche di se stesso: i giocattoli rischiano di diventare obsoleti, proprio come la saga che li ospita. Un'idea non affatto stupida, anzi probabilmente la più interessante di tutto il film, ma che secondo me non viene sfruttata fino in fondo.

Arrivato fuori tempo massimo, quindi, con una (finta) critica agli smartphone, ai tablet e ai social dati in pasto ai bambini, con relativa tristezza e depressione per un commento sbagliato o per la paura di essere esclusi. Tutto perfetto, tutto giusto, ma la morale diventa soprattutto un pretesto per far uscire l'ennesimo Toy Story. La critica non graffia, al massimo ti fa una carezza e ti porta con il pilota automatico fino al finale. Anche altre recensioni hanno sottolineato proprio questo limite: il film imposta un discorso piuttosto duro sulla tecnologia, salvo poi smussarlo fino a renderlo un monito molto più blando.

E il risultato, almeno nel mio caso, è quello che temevo: qualche risata, qualche momento tenero, la solita ottima confezione Pixar, ma pochissimo che resti davvero. E tu, dopo un mese, già non te lo ricordi più.

Creatore: Clint Eastwood

Interpreti: Kevin Bacon, Sean Penn e Tim Robbins

Da bambini, Jimmy, Sean e Dave sono inseparabili, fino a quando un terribile episodio sconvolge per sempre le loro vite. Venticinque anni dopo, i tre si ritrovano a fare i conti con quel passato quando Katie, la figlia diciannovenne di Jimmy, viene brutalmente assassinata. Sean, diventato detective, si occupa delle indagini, mentre Jimmy, accecato dal dolore, decide di cercare personalmente il responsabile. I sospetti finiscono presto su Dave, un uomo ancora profondamente segnato dal trauma vissuto da bambino. 

Da molti, insieme a Gran Torino, è considerato il miglior Eastwood alla regia e sono dello stesso parere. Mystic River è un film duro, senza sbavature, sostenuto da un trio di attori formidabile, tutti al massimo della loro forma.

Sean Penn interpreta alla perfezione un personaggio disilluso e straziato dalla morte della figlia, riuscendo a trasmettere tutta la rabbia e il dolore che lo divorano. Tim Robbins è altrettanto straordinario nei panni di un uomo con un'ombra dentro che lo attanaglia da anni. La sua interpretazione diventa ancora più credibile grazie alle movenze lente, ai passi pesanti, come se il trauma vissuto fosse diventato un peso non soltanto emotivo, ma anche fisico. Infine Kevin Bacon, che si cala perfettamente nei panni di un detective credibile, tormentato dai sensi di colpa e, forse, il più umano dei tre.

La trama è semplice, ma l'intreccio del classico "trova l'assassino" è costruito alla perfezione. Eastwood costruisce lentamente la tensione fino ad arrivare a un finale in cui la storia prende una direzione diversa, muovendosi su un doppio binario e trasformando progressivamente il film da dramma a thriller a tutti gli effetti.

Ma Mystic River è soprattutto un film carico di nostalgia, che parla della perdita dell'innocenza e della durezza della vita adulta. Un film in cui le ferite del passato non smettono mai davvero di fare male e finiscono per condizionare irrimediabilmente il presente.

Ami il cinema? Questa è una pellicola che non puoi assolutamente perderti.

Creatore: Destin Daniel Cretton

Interpreti: Tom Holland, Zendaya

Quattro anni dopo gli eventi di Spider-Man: No Way Home, Peter Parker vive ormai completamente solo: il mondo ha dimenticato la sua esistenza e lui ha scelto di dedicarsi anima e corpo alla sua attività di Spider-Man. Mentre New York deve fare i conti con una misteriosa serie di crimini, Peter si ritrova coinvolto in una minaccia mai affrontata prima. A complicare ulteriormente le cose arriva una sorprendente trasformazione fisica dei suoi poteri, che potrebbe mettere in pericolo la sua stessa vita. Per affrontare il nuovo nemico, Spider-Man dovrà fare i conti anche con le conseguenze delle scelte del suo passato

Ogni volta che arriva un nuovo Spider-Man al cinema, la mia prima reazione è: «N'altro? Ma che si possono inventare più?». Tra film, videogame e cartoni animati dello Spider-Verse, ormai anche gli sceneggiatori non sapranno più cosa inventarsi.

E invece, ancora una volta, sono riusciti a tirar fuori un bel film su Spider-Man, asciugando anche la trama da tutte quelle complicazioni introdotte dalla pellicola precedente, tra Doctor Strange, piani temporali e multiversi vari.

Brand New Day torna al classico film di Spider-Man. Certo, la prerogativa principale, ovvero il fatto che tutti si siano dimenticati di Peter Parker, è la base di tutta la storia, ma nonostante questo e i vari richiami ad altre serie TV come Daredevil, The Punisher e She-Hulk, il film riesce a non trasformare questi collegamenti in un ostacolo determinante per la trama.

Il film è divertente e scivola via piacevolmente tra scene d'azione ben orchestrate e dialoghi simpatici. Un buon film da vedere al cinema in questa torrida estate, che però non sarà ricordato come il miglior Spider-Man, non diventerà iconico e soprattutto non sposta la lancetta verso un ritorno in grande stile ai fasti della Marvel che furono.

Il difetto più grande, però, a mio parere, restano proprio questi continui collegamenti ad altri film e ad altre serie TV, come se lo spettatore dovesse andare al cinema con un'enciclopedia sui supereroi sotto braccio.

Pensate a un ragazzo che va a vedere Brand New Day senza aver visto gli altri film di Spider-Man: starà lì con la faccia appesa a chiedersi: «Ma che ca... sta succedendo?».

È un difetto deleterio che ormai ritroviamo in quasi ogni produzione Marvel e che, alla lunga, rischia di stancare gli spettatori. Ma, visto l'incasso di questo film, evidentemente non sarà questo il momento in cui la Marvel deciderà di cambiare strada.

Creatore: Joe Carnahan

Interpreti: Ben Affleck e Matt Damon

Tornano a recitare insieme il duo Affleck e Damon, dopo il soporifero Air e quel capolavoro che ha lanciato la loro carriera e che, se non sai di che film sto parlando, vai a farti una googlata e poi torna qui.

Sì, va beh… ti starai chiedendo: ma di che parla 'sto Rip - Soldi sporchi su Netflix?

Prima cosa: stai calmo.

La trama è semplicissima: durante un'operazione antidroga, una squadra della narcotici trova una casa piena di soldi appartenenti al cartello. E, ovviamente, tutti quei soldi fanno gola a parecchia gente, poliziotti corrotti inclusi.

Ed è proprio qui che il film trova il suo punto di forza. Rip - Soldi sporchi gioca continuamente con il dubbio dello spettatore: chi è il poliziotto corrotto? Di chi possiamo fidarci? E soprattutto, quanto può resistere una squadra quando davanti si ritrova milioni di dollari in contanti?

Non è certo una storia originale, ma Joe Carnahan la racconta con il giusto ritmo, costruendo una tensione che funziona soprattutto quando il film rallenta e lascia spazio a sguardi, sospetti e piccoli dettagli.

Anche il cast fa il suo: Damon e Affleck hanno una buona chimica e gli altri interpreti sono tutti in parte. La regia mantiene un'atmosfera sporca e cupa, quasi da vecchio poliziesco, con una fotografia dove sembra che la luce naturale sia stata bandita e siano rimasti soltanto lampioni, neon e luci artificiali.

Peccato che verso il finale il film perda un po' di quella tensione che aveva costruito così bene. Il dubbio lascia spazio all'azione e la storia diventa progressivamente più prevedibile, arrivando a un epilogo che, personalmente, ho trovato meno convincente rispetto a tutto quello che era venuto prima.

E forse è proprio questo il difetto più grande di Rip - Soldi sporchi: quando aveva trovato la sua dimensione migliore, quella del thriller paranoico e pieno di sospetti, decide di diventare un film d'azione più convenzionale.

Resta comunque una delle produzioni Netflix più interessanti che mi sia capitato di vedere ultimamente. Non sarà The Departed e probabilmente non diventerà un classico, ma per una serata davanti alla TV funziona eccome.

E poi diciamolo: con Affleck e Damon insieme, almeno una possibilità gliela dobbiamo concedere.

Creatore: Curry Barker

Interpreti: Michael Johnston e Inde Navarrette 

Negli ultimi anni il cinema horror è probabilmente il genere che più di ogni altro sta riuscendo a portare una ventata d'aria fresca nelle sale. Una dopo l'altra arrivano pellicole che fanno dell'originalità il loro punto di forza, dimostrando come ci sia ancora molto da raccontare senza dover ricorrere ai soliti cliché.

Obsession, con una trama semplice e asciutta, ci trascina all'interno di una relazione tossica, una dinamica purtroppo fin troppo comune nel mondo reale. Solo che qui siamo in un horror e la storia d'amore tra i due protagonisti, nata sotto il più classico degli incantesimi, è destinata a prendere una piega decisamente più tragica.

Bravissimi gli attori. Johnston, storico collaboratore del regista fin dai tempi del loro canale YouTube, riesce a rendere il protagonista maschile profondamente odioso: egoista, meschino e incapace di assumersi le proprie responsabilità, almeno fino a un finale davvero ingegnoso. La sua controparte femminile, invece, è una vera furia psicopatica, capace di terrorizzare ogni volta che appare sullo schermo. Ha una presenza talmente inquietante da dare l'impressione che possa rompere la quarta parete da un momento all'altro e aggredire direttamente lo spettatore.

Una delle cose che ho apprezzato di più, e che cerco spesso di inserire anche nei miei racconti, è la totale normalizzazione dell'irreale.

Mi spiego meglio.

Il negozio in cui viene acquistato l'artefatto che darà il via agli eventi sembra un comunissimo negozio new age, uno di quelli che potresti trovare in qualsiasi città. Tra ciondoli legati ai cinque elementi, pietre portafortuna e oggetti spirituali, vengono venduti anche questi bastoncini dei desideri, corredati da istruzioni e persino da un'avvertenza: non sempre funzionano e, anzi, spesso i clienti tornano a lamentarsi. Questo modo di trattare il soprannaturale come qualcosa di ordinario e burocratico mi ha conquistato.

Obsession riesce in più di un'occasione a mettere sinceramente a disagio. Merito delle interpretazioni, delle situazioni sempre più disturbanti in cui si trovano i protagonisti, ma anche di una fotografia cupa, di una colonna sonora perfettamente calibrata e di una regia ispirata che non sbaglia praticamente nulla. Il risultato è un horror originale, inquietante e sorprendentemente maturo, uno di quei piccoli film che ricordano perché il genere stia vivendo un momento così felice.

Svegliati!

Creatore: Paul Feig

Interpreti: Sidney Sweeney, Amanda Seyfred 

Paul Feig, dopo una serie di commedie piuttosto dimenticabili, continua a ottenere nuove opportunità dietro la macchina da presa, e confesso che ogni volta mi chiedo come ci riesca. Stavolta, però, abbandona la commedia per cimentarsi con il thriller più classico: una famiglia apparentemente perfetta che nasconde oscuri segreti e un personaggio che, fin dalla prima scena, lascia intuire che porterà inevitabilmente scompiglio.

The Housemaid può contare su un ottimo cast e le due protagoniste, Amanda Seyfried e Sydney Sweeney, danno vita a una sorta di sfida interpretativa. Per quanto mi riguarda, la vittoria va di misura alla Seyfried, favorita anche da un personaggio più sfaccettato e interessante rispetto a quello affidato alla Sweeney.

La regia è pulita e, per circa tre quarti della durata, il film scorre piacevolmente come un thriller dalle venature erotiche. Senza fare spoiler, è abbastanza evidente già dopo pochi minuti quale direzione prenderà la storia, che procede in modo piuttosto lineare. Poi arriva finalmente il colpo di scena: una trovata ben costruita, sorprendente e capace di rivalutare quanto visto fino a quel momento. Insomma, sulla carta il soggetto funziona.

Peccato che tutto venga progressivamente vanificato dalla ricerca continua dell'azione a ogni costo. Il film finisce così per giustificare comportamenti e reazioni poco credibili, sacrificando la coerenza narrativa. Paradossalmente, proprio dopo il colpo di scena, che rappresenta il momento migliore dell'opera, The Housemaid perde mordente e si avvia lentamente verso una conclusione piuttosto mediocre.

Creatore: Sam Raimi

Interpreti: Rachel McAdams

Sam Raimi torna all’horror con Send Help, un survival thriller venato di dark comedy che segue Linda Liddle, un’impiegata brillante ma costantemente sottovalutata dal suo arrogante capo Bradley Preston. Durante un viaggio di lavoro in Thailandia, l’aereo su cui viaggiano precipita nel mezzo dell’oceano e i due si ritrovano unici sopravvissuti su un’isola deserta.

Ma quanto sono belli i film di Sam Raimi? Anche le sue opere meno riuscite riescono sempre ad avere una personalità, una qualità e un’intensità superiori alla media. E Send Help non fa eccezione.

La pellicola sembra inizialmente impostarsi come una classica commedia romantica: due persone opposte costrette a convivere, i contrasti, il flirt inevitabile e magari la passione che nasce nel mezzo della sopravvivenza. Ma Raimi ribalta subito le aspettative, trasformando tutto in qualcosa di molto più cinico e disturbante.

Fin da subito il film non cerca mai di farci empatizzare davvero con i protagonisti. Lui è un bastardo fino al midollo, il classico uomo in carriera disposto a schiacciare chiunque pur di sopravvivere; lei invece appare inizialmente fragile e indifesa, salvo rivelare lentamente una personalità manipolatrice e ossessionata dal controllo.

Send Help viaggia costantemente in equilibrio tra thriller psicologico, horror e splatter, mantenendo alta la tensione scena dopo scena. Il rapporto tossico tra i due protagonisti diventa il vero cuore della pellicola, fino a un finale inaspettato e tesissimo che riesce davvero a tenere con il fiato sospeso.

Il tutto è impreziosito dalla classica ironia nera di Raimi, che alleggerisce i momenti più violenti senza mai spezzare il ritmo. Un piccolo gioiellino che forse non raggiunge i vertici assoluti della filmografia del regista, ma che si farà ricordare come una delle sue opere più riuscite degli ultimi anni.

Creatore: Emerald Fennell

Interpreti: Margot Robbie e Jacob Elordi

Avete presente quando guardate un film inutile? Di quelli che, appena finiti, sapete già che dimenticherete nel giro di pochi giorni? Ecco, Cime Tempestose di Emerald Fennell riassume perfettamente questa sensazione.

Il film reinterpreta in chiave moderna e sensuale uno dei racconti d’amore più tormentati della letteratura. Ambientato nelle cupe brughiere dello Yorkshire, segue il legame ossessivo e distruttivo tra Heathcliff e Catherine, due anime incapaci di vivere insieme ma anche di separarsi davvero. Tra passioni travolgenti, vendetta e autodistruzione, la pellicola punta tutto sull’intensità emotiva e fisica del rapporto tra i protagonisti.

Il problema, però, non è tanto l’aver preso soltanto una parte del romanzo — l’amore impossibile — ampliandola con elementi più espliciti come sessualità, gravidanza e dinamiche sentimentali moderne. Il vero problema è che tutto questo coinvolge solo fino a un certo punto. Dopo l’ennesima scena carica di tensione erotica, allo spettatore viene spontaneo chiedersi: “Va bene, ho capito la passione ossessiva e travolgente… ma poi?”

E la risposta, purtroppo, è: poco altro. Si resta per gran parte del film in attesa che succeda qualcosa di davvero significativo, oltre agli amplessi continui e a un romanticismo volutamente esasperato, ma la storia sembra girare sempre attorno agli stessi concetti senza mai evolversi davvero.

Anche la scelta del cast lascia qualche dubbio. Margot Robbie è intensa e credibile, ma la differenza d’età con Jacob Elordi risulta piuttosto evidente. Non perché lei appaia fuori parte, ma perché lui, in molte scene, sembra troppo giovane per incarnare la durezza e il carisma oscuro di Heathcliff. Più che un uomo tormentato e feroce, appare spesso come un ragazzo ferito e spaesato. Inoltre, la scelta di renderlo una sorta di “cattivo dal cuore buono” tradisce parte dell’essenza del personaggio originale, che nel romanzo era molto più crudele e spietato.

Quindi vale la pena vedere Cime Tempestose, anche considerando il clamore — forse più costruito che reale — che lo ha accompagnato all’uscita? Per quanto mi riguarda, no. Esistono film capaci di raccontare passione, sessualità e tragedia in maniera molto più intensa, profonda e memorabile.

Sviluppatori: Bloober Team

Faccio una premessa: questa recensione non sarà molto oggettiva. Del resto nessuna recensione lo è davvero, ma questa forse un po’ meno delle altre, perché sono sempre stato un enorme fan della saga e continuo a considerare Silent Hill 2 uno dei videogiochi più importanti mai usciti.

Creatori: Taylor Sheridan

La serie racconta la storia della famiglia Clyburn, che si trasferisce da New York City alla valle del Madison River, nel Montana centrale, in cerca di serenità dopo una tragedia che ha stravolto le loro vite.

All’inizio doveva essere l’ennesimo spin-off di Yellowstone, poi per fortuna ha preso una strada tutta sua, diventando qualcosa di completamente diverso.

Iniziamo subito col dire che, insieme a From, The Madison è probabilmente la miglior produzione targata Paramount+ degli ultimi anni. È un flusso continuo di emozioni che ruotano attorno al lutto vissuto da una famiglia di ricchi newyorchesi che però, sotto la superficie, assomiglia a qualsiasi altra famiglia: pochi pregi, tanti difetti e ferite difficili da rimarginare.

Ma la vera forza della serie è un’altra: ti mette spalle al muro. Ti costringe, quasi controvoglia, a fare i conti con riflessioni personali che forse avevi smesso di affrontare, soprattutto davanti a una serie TV.

Tecnicamente è quasi impeccabile. La fotografia è meravigliosa e riesce a farti innamorare dei paesaggi e della natura del Montana al punto da ritrovarti a cercare un volo per gli Stati Uniti senza nemmeno accorgertene. Anche il montaggio, volutamente lento e contemplativo, funziona perfettamente: non corre mai, ma ti trascina dentro al racconto un passo alla volta.

Il cast è straordinario. Michelle Pfeiffer offre probabilmente una delle migliori interpretazioni della sua carriera recente, intensa e dolorosa senza mai risultare artificiale. E poi c’è Kurt Russell, che da solo riesce sempre ad aggiungere quel carisma ruvido e irresistibile a qualsiasi progetto.

Peccato soltanto per l’ultima puntata che, paradossalmente, è la peggiore delle sei. Per tutta la stagione viene costruita un’impalcatura fatta di urla, risentimenti, mancanze ed emozioni trattenute, salvo poi sciogliersi in un finale che perde forza proprio sul più bello, senza veri sussulti. Ed è un peccato, perché fino a quel momento la serie sfiora davvero l’eccellenza.

Nel frattempo, nonostante la storia funzioni anche come racconto autoconclusivo, la serie è stata rinnovata per una terza stagione.

Cercavate un motivo per abbonarvi a Paramount+? Eccolo trovato.

Creatori: Zach Lipovsky e Adam Stein

Un gruppo di giovani sopravvive miracolosamente a una tragedia apparentemente inevitabile grazie a una premonizione. Ma la Morte, come sempre, non accetta di essere ingannata: uno dopo l’altro, i sopravvissuti iniziano a morire in modi sempre più inquietanti e imprevedibili. Questa volta, però, il filo conduttore affonda le radici nel passato: una misteriosa connessione familiare lega le vittime a un evento accaduto anni prima, suggerendo che il destino non colpisce a caso… ma segue una linea di sangue precisa.

Con Final Destination: Bloodlines siamo ormai al sesto capitolo della saga, e la pellicola resta fedele ai binari classici della serie: lo spettatore sa già cosa aspettarsi e, in fondo, è proprio quello che vuole. L’attesa non è tanto per la storia quanto per il “come”: morti sempre più elaborate, fantasiose e costruite come piccoli meccanismi a orologeria pronti a scattare.

Se da un lato questa formula continua a funzionare grazie a un’inventiva visiva ancora efficace, dall’altro è inevitabile avvertire una certa ripetitività di fondo. Il tentativo di inserire un legame con il passato e con una linea familiare aggiunge un minimo di variazione, ma non basta a rivoluzionare davvero la struttura narrativa.

Se vi sono piaciuti gli altri capitoli, questo è senza dubbio uno dei più riusciti degli ultimi anni; se invece avete già intuito il gioco e vi ha stancato, difficilmente cambierete idea: la Morte, anche stavolta, segue lo stesso copione.

Creatori: Aaron Horvath e Michael Jelenic

La storia riprende circa venticinque minuti dopo la fine del primo capitolo. Mario e Luigi si trovano ad affrontare una nuova e pericolosa minaccia: Bowser Jr., il figlio dell’ormai miniaturizzato Bowser, si allea con Wario per liberare il padre e vendicarsi degli idraulici.

Super Mario Galaxy riprende tutto ciò che aveva fatto di buono nel primo capitolo e lo espande, portandoci in una galassia piena di pianeti diversi e facendoci conoscere altri personaggi amati della serie videoludica, come Yoshi. La pellicola è un vero paradiso di colori e alcune scene, soprattutto nel finale, riescono a trasmettere bene il senso dell’azione, facendo divertire spettatori piccoli e grandi.

Purtroppo, però, la trama non va di pari passo. Anzi, si può dire che quasi non esista: il film è soprattutto una successione di rocambolesche scene d’azione, citazioni ai giochi della saga e richiami al cinema degli anni Novanta. E rispetto al primo film viene inevitabilmente meno anche l’effetto sorpresa.

Super Mario Galaxy è un film che va visto nel suo splendore visivo, possibilmente in una sala IMAX o, in alternativa, quando arriverà sulle piattaforme in 4K. Ma resta, usando una terminologia videoludica, una pellicola con una grafica pazzesca… ma con poca giocabilità.

Creatore: Lee Cronin

La giovane figlia di un giornalista scompare misteriosamente nel deserto egiziano. La famiglia, distrutta dal dolore, prova a ricostruire la propria vita, ma otto anni dopo la ragazza riappare improvvisamente. Quello che dovrebbe essere un ricongiungimento felice si trasforma presto in un incubo: la bambina non è più la stessa e sembra portare con sé un’antica e oscura maledizione legata a una mummia e a forze sovrannaturali.

Dimenticatevi i film avventurosi di qualche anno fa: La Mummia di Lee Cronin è un horror a tutti gli effetti.

Il regista firma una pellicola fortemente autoriale che segue il filo rosso già intrapreso con La Casa - Il Risveglio, e nel finale, a tratti, sembra davvero di essere tornati dentro una pellicola della saga di La Casa, pescando a piene mani dall’immaginario folle e dissacrante di Sam Raimi.

La Mummia, per un genitore, è un vero colpo allo stomaco: una figlia scomparsa che riappare in quelle condizioni otto anni dopo è un’immagine difficile da sostenere emotivamente. Spesso è più l’angoscia della paura a dominare la scena, una sensazione che probabilmente colpirà in modo particolare chi si accinge alla visione con una sensibilità genitoriale.

La pellicola, pur seguendo una struttura piuttosto classica — con tanto di inevitabile spiegone del professore universitario che traduce in pochi secondi una misteriosa pergamena in pelle umana — trova nella regia e nel comparto sonoro i suoi veri punti di forza. La telecamera non rimane mai ferma ed entra ed esce continuamente dalle stanze della casa, ricordando soluzioni già viste in Presence. Le inquadrature sono studiate nei minimi dettagli per trasmettere allo spettatore un costante senso di disagio, amplificato da un sonoro fatto di scricchiolii e sospiri raggelanti.

La Mummia è anche un film dichiaratamente splatter: erano anni che l’horror non affrontava questo registro con una tale intensità, e in alcune sequenze lo spettatore potrebbe trovarsi davvero disgustato da ciò che vede sullo schermo.

Insomma, è un film perfetto? No, non lo è. Gli attori, per buona parte della durata, si limitano a sfoggiare espressioni incredule e terrorizzate senza mai prendere decisioni davvero sensate. Va bene la sospensione dell’incredulità — elemento fondamentale nel genere horror — ma qui si raggiungono livelli piuttosto estremi: la polizia sembra non esistere, il sistema sanitario sparisce e accadono eventi terribili che, dopo pochi minuti, vengono archiviati con troppa facilità.

La Mummia resta comunque un buon film horror, capace di regalare emozioni forti e momenti di autentica tensione. Non sarà un capolavoro, ma in un panorama spesso povero di idee, ben vengano film così.